#74 „Paradaisu Byu“ (1985)

„Paradaisu Byu“

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„Paradise View“

Die Filme von Go Takamine befassen sich mit der Mythologie des südlichsten Teil Japans, Okinawa. Seinen ersten Spielfilm, „Paradise View“, dreht er 1985 und leistet damit wesentliche Pionierarbeit.

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„Paradise View“ stellt die kulturellen Unterschiede zwischen den Einwohnern Okinawa’s und den Japanern in den Vordergrund. Reishu, gespielt von Kaoru Kobayashi („Midnight Diner“), schwängert ein Mädchen aus seinem Dorf, welches eigentlich einen Lehrer aus Tokyo heiraten soll. Dies führt zu einigen Verwerfungen innerhalb der Dorfgemeinschaft.

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Der unabhängige Staat „Okinawa“ ging am 15. Mai 1972 wieder zurück an Japan. Die Handlung spielt kurz vor dieser Angliederung und blickt zurück auf eine zwiegespaltene Bevölkerung, die Japan eher kritisch gegenübersteht. Verwurzelt in einer von Naturgöttern geprägten Sagenwelt, bewegen sich die Hauptfiguren in einer Art spirituellen Nacherzählung. Takamine gelingt es dem Zuschauer die Folklore dieser fast schon vergessenen Kultur und ihre Religion namens „Ryukyuan“ näherzubringen. In nüchterner, aber surrealer Erzählstruktur wandeln die Charaktere zwischen der fantastischen und der realen Welt.

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Begleitet von traditionellen Gesängen und einem ausgezeichneten Soundtrack von Ex-„YMO“ Bassist Haroumi Hosono, der unter anderem den Soundtrack für den Animeklassiker „Night on the galactic Railroad“ und ganz aktuell auch für Koreeda’s „Shoplifters“ komponierte, entfaltet sich ein langsames Liebesdrama. Filmisch kann „Paradise View“ dadurch aber leider nicht überzeugen. Anschlussfehler, hölzerne Dialoge und eine verwirrende Personenkonstellation machen es schwer dem Film zu folgen. Vielmehr steht die historische Bedeutung des Films an sich im Vordergrund. So sprechen alle Charaktere im lokalen Dialekt, Bräuche werden gezeigt und die Eigenständigkeit der Kultur Okinawas bestärkt. Takamine hat etwas von kulturanthropologischem Mehrwert geschaffen. Etwas, das für die Region und das Selbstwertgefühl seiner Einwohner wertvoll erscheint und dem fremden Zuschauer gleichzeitig zeigt, dass Okinawa eine gesonderte Geschichte zum Rest Japans hat.

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Der Kampf nach Unabhängigkeit, Gleichberechtigung und Anerkennung wird auf Okinawa bis heute geführt. Durch die Stationierung amerikanischer Soldaten, fühlen sich große Teile der Inselbevölkerung bedroht und es kommt regelmäßig zu Demonstrationen gegen die US-Truppen. „Paradise View“ ist einer der wenigen Filme, der diesen Menschen ein Gesicht gibt. Go Takamine führt seine Arbeit bis heute weiter, drehte 1989 den mehrfach ausgezeichneten Film „Untamagiru“ und bemüht sich die Identität und Geschichte Okinawas am Leben zu erhalten.

Kompletter Film:

 

#73 „Watashi no Otoko“ (2014)

„Watashi no Otoko“

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„My Man“

Nachdem ein Tsunami ihre Familie und ihr zu Hause genommen hat, kommt Hana in die Obhut eines fernen Verwandten. Während sie bei ihm aufwächst, entwickelt sich zwischen den Beiden eine gefährliche Liebe.

In der eisigen Kälte des nördlichen Japans inszeniert Kazuyoshi Kumakiri ein Liebesdrama nach dem Vorbild von Nabokov’s „Lolita“. Die Umwelt liefert dabei die perfekt Kulisse, um das emotionale Innenleben der Figuren zu visualisieren. Stille, Kälte und Dunkelheit prägen die zwischenmenschlichen Interaktionen. Kumakiri bleibt sich thematisch treu, indem er vom Schicksal junger Japaner auf Hokkaido berichtet.

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Fumi Nikaido („Himizu“) bekam für ihre Rolle der Hana von der Japanese Academy den Preis für die beste Schauspielerin. Die Figur des traumatisierten Kindes, welches zunehmend in eine isolierte Welt, in der nur noch sie und ihr Ziehvater Jungo existieren, abdriftet, wird von Nikaido mit einer außergewöhnlichen Distanz gespielt. Ob dies nun aber als Teil der Rolle gewollt oder einfach als schauspielerische Unfähigkeit zu verstehen ist, bleibt im Auge des Betrachters. Ihr Ziehvater/Geliebter wurde besetzt mit einem der bekanntesten Gesichter des modernen japanischen Kino, Tadanobu Asano („Ruined Heart“, „Ichi the Killer“). Seine Präsenz ist wie immer eindrucksvoll.

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Allerdings zieht sich der Film doch gewaltig. Der Verzicht auf dialoglastige Szenen lässt viel Raum für Spekulation. Zu viel Raum. Manche Handlungsmotive der Charaktere bleiben der Fantasie des Zuschauers überlassen. Die ruhigen Momente werden unterbrochen von roher Gewalt, die sich gegen jeden richtet, der der Liebe von Hana und Jungo im Weg steht. Besonders diese Szenen profitieren von der lebendigen Kameraarbeit von Ryuto Kondo („The Light only Shines there“, „The Story of Yonosuke“), dessen Bilder man gerade auch in „Shoplifters“ im Kino sehen kann.

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Positiv fällt die ganze Verarbeitung rund um das Thema des Traumas auf. Dem Regisseur gelingt hier ein Gesamtkonzept von Kameraarbeit, Bildkomposition und Handlung. Dunkle Bilder in Sepiafarben drücken Taubheit und Erinnerungen an die Vergangenheit aus. Das Verhältnis zum Vergangenen scheint generell gestört zu sein, denn auch die Verbindung zwischen Jungo und Hana’s Mutter ist nicht gänzlich aufgedeckt. So deutet der Film beispielsweise an, dass er wirklich Hana’s leiblicher Vater sein könnte.

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So bleibt am Ende des Films vieles offen. Die Absicht den Zuschauer die Puzzleteile im Kopf selbst zusammenzufügen lassen erfüllt „Watashi no otoko“ aber nur bedingt. Dazu fehlt es nämlich an Spannung. So überträgt sich die Distanziertheit der Inszenierung leider auf das Verhältnis zwischen Betrachter und Film und stellt unsere Aufmerksamkeit auf eine große Geduldsprobe. „Watashi no Otoko“ ist zwar stellenweise verstörend, setzt aber dann doch zu sehr auf die leisen Töne.

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Literarische Vorlage war übrigens der gleichnamige Roman von Kazuki Sakuraba, die unter anderem durch die Manga Reihe „Gosick“ bekannt wurde und für „Watashi no Otoko“ den renommierten Naoki Preis bekam.

 

 

#72 „Kuruwa Sodachi“ (1964)

Yoshiko Mita war in den 90er-Jahren die bestbezahlte Schauspielerin Japans. Mit ihrer Rolle in „Tragedy of W“ gelang ihr 1984 der endgültige Durchbruch und gewann alle Preise, die Japan zu bieten hat. Durch Regisseur Junya Sato („Yamato“) bekommt Mita im Jahr 1964 ihre erste Hauptrolle in dem Geisha-Drama „Kuruwa Sodachi“.

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Darin spielt sie  Tamiko. Tagsüber geht sie zur Schule und nachts arbeitet sie als Prostituierte. Als Weise, von klein auf in einem Etablissement von Geishas großgezogen, ist sie ihren Freiern ausgeliefert. Schonungslos zeigt Sato wie die Arbeit ihre Psysche zerstört. Dabei träumt sie von einem Leben als Ärztin, besucht eine Medizinschule und schwärmt für Yasuke, den sie später heiraten will. Ihre Profession steht ihr dabei im Weg und der Film lässt all ihre Hoffnungen daran zerplatzen. Yasuke heiratet eine Frau besseren Standes, und Tamiko wird von der Schule verwiesen als ihre Prostitution auffällt. Zusätzlich zwingt sie das neue Anti-Prostitutionsgesetz dazu sich an einen Gönner zu verkaufen. Vor dem Scherbenhaufen ihrer Existenz stehend, beginnt Tamiko sich aus ihrem Käfig zu befreien.

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„Kuruwa Sodachi“ erzählt die Geschichte einer selbstentschlossenen Frau und überrascht mit wunderschönen Sequenzen, die sowohl Achitektur als auch Charaktere kunstvoll darstellen. Sato gelingt es eine kommerzielle Geschichte mit anspruchsvoller Ästhetik zu verbinden. Für die Aufnahmen holt er sich mit Masahiko Iimura einen alten Bekannten ins Team. Die Beiden arbeiteten später nämlich auch an „Panik im Tokio Express“.

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Neben den Bildern ist die Figur der Tamiko der entscheidende Faktor. Ihre Emanzipation, die Befreiung aus dem Elend, letztendlich die Wandlung vom Opfer zur Täterin. „Kuruwa Sodachi“ beschreibt diese Entwicklung mit voyeuristischem Realismus. Für den Zuschauer bleibt sie eine heldenhafte Figur, deren Motive nachvollziehbar sind und aus dessen Verständnis heraus eine Tragik entsteht.  Das bittere Schicksal Tamikos wird konterkariert von den malerischen Panoramaaufnahmen. Kyoto erscheint hier in seiner ganzen Schönheit und Größe. Ein Gefühl von Freiheit, Aufschwung und Fortschritt, kombiniert mit den traditionellen Bauwerken zwischen denen sich aber die junge Frau nicht entfalten kann.

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Drehbuchautor Goro Tanada, bekannt durch seine Zusammenarbeit mit Suzuki Seijun („Gate of Flesh“), gelingt es auch in dieser Geschichte die einzelnen Elemente ohne  überflüssige Gefühlsduseleien oder explizite Gewaltorgien passend zusammenzufügen. Die in sich stimmige Erzählung beinhaltet darüberinaus auch einen moralischen Aspekt, der dem damaligen Zeitgeist entspricht. Ein Film, der nicht nur vom Kommerz getrieben ist, sondern Fragen an die Gesellschaft aufwirft. Die Rolle der Frau, soziales Ansehen und der freie Wille sind einige der Themenbereiche, die in „Kuruwa Sodachi“ angesprochen werden.

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Junya Sato liefert einen Film ab, der sowohl handwerklich als auch inhaltlich überzeugt. Ein Film, der auch leider nicht die Aufmerksamkeit bekommen hat, die er verdient hätte, da er von anderen Genregrößen dieser Zeit überdeckt wurde. „Kuruwa Sodachi“ muss sich dahinter aber nicht verstecken.

 

 

 

 

 

#71 „Ima, Ai ni Yukimasu“ (2004)

„Ima, Ai ni Yukimasu“

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„Be with you“

Als Takeumi’s Frau, Mio, bei einem Unfall stirbt hinterlässt sie ihn mit dem gemeinsamen Sohn Yuji. Aber schon ein Jahr später begegnen sie im Wald einer Frau, die ihr exaktes Ebenbild zu sein scheint. Allerdings kann sie sich an nichts erinnern. Im Verlauf des Films versuchen Takeumi und Yuji ihre Erinnerungen wieder aufzufrischen.

Fernsehregisseur Nobuhiro Doi zieht hier wirklich alle Register des Melodramas, um dem Zuschauer einen Tearjerker unterzujubeln. Rückblenden, Handlungswendungen, kitschige Musik und vieles mehr. Die Handlung ist sehr vorhersehbar und wenig fesselnd. Einzig und allein die Schauspieler sind positiv zu erwähnen. Yūko Takeuchi, bekannt aus dem Horrorklassiker „The Ring“, spielt die Rolle der ahnungslosen Mio relativ überzeugend und dringt noch am ehesten zum Zuschauer durch. Ihr Filmpartner, Mikihiro Ogawa („Yamato“„Death Note“), spielt einen verweichtlichen Witwer, der unter einer sozialen Phobie leidet. Der Jüngste im Ensemble, Akashi Takei, der den Sohn Yuji spielt, liefert leider auch nur eine durchschnittliche Leistung auf der Leinwand ab.

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Doi’s Background, sowie die Karrieren der Schauspieler, deuten schon auf die Fernsehbranche hin und lassen erkennen, warum sich „Be with you“ wie ein Fernsehdrama anfühlt. Es ist daher nur logisch, dass  die Produktion, die vom japanischen Sender TBS produziert wurde, ein Jahr später auch in Form einer Fernsehserie aufgegriffen wurde. Der Stoff wurde dem gleichnahmigen Roman von Takuji Ichikawa entlehnt, von dem unter anderem „Heavenly Forest“ 2006 den Weg in die Kinos fand.

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Trotz mittelmäßiger Handlung und bescheidener Schauspieler, war „Be with you“ ein großer Erfolg. Und zwar nicht nur in Japan, sondern auch in ganz Asien und den USA. Dies führte 2018 sogar zu einem koreanischen Remake.

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Stilistisch scheiden sich bei dem Drama die Geister. Auf der einen Seite sind Kameraeinstellungen, Schnitte und Setting wirklich gelungen. Auf der anderen Seite fühlt man sich von gewissen Elementen regelrecht belästigt. So lässt einen die Musik beispielsweise nie alleine. Jede Szene wird unterlegt von weichgespülten Klängen und der Film verwandelt sich dadurch in eine zähe Masse, die nur sehr langsam voran kommt. Szenen wird die Möglichkeit genommen hervorzustechen, da alles vereinheitlich wird. Darunter leidet die Botschaft des Films, die zwar gut gemeint ist, aber in den Klischees der Inszenierung ihre Authentizität verliert. Etwas weniger aufgeladene Symbolik hätte da sicher gut getan.

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„Be with you“ ist demnach ein Film für hoffnungslose Romantiker. Eine Geschichte über Liebe, Familie, Krankheit und Verlust, die in ihren Grundzüge viel ungenutztes Potenzial liegen lässt. Vielleicht bietet hier die Romanvorlage eine bessere Alternative.

#70 „Anjō-ke no butōkai“ (1947)

„Anjō-ke no butōkai“

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„The Ball at the Anjo House“

Das Ende einer Ära, einer Dynastie, einer Familie. „The Ball at the Anjo House“ von Kōzaburō Yoshimura  ist einer der großen Klassiker des japanischen Kinos der 40er-Jahre. Ausgezeichnet mit dem Kritikerpreis des Kinema Junpo Magazins, makiert dieser Film den Beginn der erfolgreichen Zusammenarbeit zwischen Kōzaburō und Drehbuchautor Kaneto Shindo. 1950 gründeten die beiden die Produktionsfirma „Kindai Eiga Kyokai“, die unter anderem verantwortlich war für „Naked Island“, „Kuroneko“ und „Onibaba“.

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„The Ball at the Anjo House“ zeigt den Verfall einer Adelsfamilie nach dem verlorenen Zweiten Weltkrieg. Durch die neuen Gesetze ist die Familie dazu gezwungen ein bürgerliches Leben zu führen und muss ihre Villa verkaufen. Doch bevor es soweit ist, laden sie die vornehme Gesellschaft noch einmal zu einem letzten, großen Ball ein.

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Setsuko Hara („Reise nach Tokyo“, „Später Frühling“) spielt die gutgestimmte Tochter, die den Vater vom Selbstmord abhält und der Zukunft positiv entgegen sieht. Ihr Bruder, gespielt von Masayuki Mori („Rashomon“), ist ein Playboy, der den Frauen alles verspricht und am Ende nichts einhält. Im Gegensatz zu seiner Schwester trauert er der alten Zeit nach. Das Ensemble wird komplettiert durch Osamu Takizawa („Fires on the Plain“) als Vater und Yumeko Aizome („Flag in the Mist“). Hara und Mori bestimmen den Film und machen ihn zu dem was er ist.

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Die aufgedunsene Handlung wirkt nämlich steif und wenig spannend. Das Setting, für diese Zeit typisch, spielt sich meist in Innenräumen ab und wird dominiert von langen Dialogen zwischen den Charakteren. „The Ball at the Anjo House“ ist dann interessant, wenn man ihn als Zeitdokument betrachtet. Der Film gibt Aufschluss über vergessene gesellschaftliche Strukturen und verbindet sie mit menschlichen Schicksalen. Dabei schwelgt Kōzaburō in Nostalgie, bereitet aber auch den Weg für ein neues Japan.

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Wie seine Kollegen Ozu („Später Herbst“) und Mikio Naruse („Floating Clouds“) befasst sich der Regisseur mit der Modernisierung Japans und welche Auswirkungen diese auf alte Traditionen hat. Die konstante Veränderung des Lebens und die Unaufhaltsamkeit der Zeit tragen zum melancholischen Grundton des Films bei. Die Figuren lernen im Verlauf des Films dies zu akkzeptieren und geben Hoffnung. Die theatrale Präsentation und die, aus heutiger Sicht, veralteten Erzähltechniken müssen dazu ersteinmal übersehen werden, um die universelle und zeitlose Botschaft des Films zu verstehen.

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Wenn man sich auf diesen Film und seine Zeit einlässt, bekommt man ein unterhaltsames Melodrama, das seinen Platz in der japanischen Filmgeschichte durchaus verdient hat und das einige der besten Schauspieler dieser Epoche hervorgebracht hat.

#69 „Goodbye CP“ (1972)

Kazuo Hara gehört zu den wichtigsten Filmemachern Japans. Wichtig, weil er ehrliche Filme macht. Hat man einen Film von Hara gesehen, wird man ihn so schnell auch sicher nicht vergessen. Jede Veröffentlichung war in Japan von kontroversen Diskussionen begleitet.  Besonders heftig wurde diese Debatte bei „Emporer’s Naked Army Marches On“ geführt, in dessen Mittelpunkt ein japanischer Nationalist stand. 16 Jahre zuvor, 1972, dreht Hara seinen ersten Film – „Goodbye CP“. Ein Film über Menschen mit Cerebralparese (Körperlähmung).

„Goodbye CP“ ist ein unsentimentales Porträt junger Erwachsener, die in einer Gemeinschaft zusammenleben und um Anerkennung kämpfen. Auf rohe Art und Weise zeigt Hara, dass die Gesellschaft die Menschen auf Grund ihrer Erkrankung ignoriert und ausgrenzt. Die Diagnose „Cerebralparese“ führt bei Eltern oft zu der Entscheidung der Kindstötung oder sogar zu kollektivem Suizid. Im Film kommen Eltern zu Wort, die einen anderen Weg finden und mit der Krankheit ihrer Kinder versuchen zu überleben. Sie versuchen ihre Kinder so gut es geht zur Selbstständigkeit zu erziehen. In Interviews erzählen sie davon, dass die Erkrankung auch neue Möglichkeiten birgt, um sich neue Sichtweisen anzueignen und neue Leute kennen zu lernen. Die Betroffenen haben sich dazu in der sogenannten „Green Lawn Bewegung“ organisiert.

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Regelmäßig gehen sie auf die Straße, um Spenden zu sammeln. Die Passanten zeigen Verständnis und Solidarität, aber spenden letztendlich nur aus Mitleid. Die tatsächlichen Probleme und Bedürfnisse der Behinderten sind ihnen gleichgültig.

Kazuo Hara gelingt es die Stimmen der Unterdrückten hörbar zu machen. Jeder kann zum Außenseiter werden und „Goodbye CP“ schafft einen öffentlichen Raum für Diskurs, indem sich diese Individuen ausdrücken können. So würde einer der Betroffenen auch gerne Filmemacher und Fotograf werden. Ein weiterer schreibt Gedichte und trägt diese öffentlich vor. Sie werden aber immer auf ihre körperlichen Mängel reduziert und nicht ernst genommen.

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Der Stil der Dokumentation ist radikal. Die Bilder sind in schwarz/weiß gehalten und mit asynchronen Kommentaren von Interviewpartnern (Passanten, Erkrankte, Eltern) aus dem Off unterlegt. Ab und an wird eine Schrifttafel eingeblendet, die eine Situation kurz erklärt. Die Sequenzen sind oftmals ungeschnitten und Hara lässt die Kamera einfach laufen. Der filmische Stil fordert den Zuschauer daher mindestens genauso wie seine Thematik. „Goodbye CP“ ist geprägt von einem Realismus, der die Gesellschaft zeigt  und sie dadurch hinterfragt.

Am Ende des Films steht die Verzweiflung der Betroffenen. Die Erkenntnis nie wirklich ein selbstständiger Mensch sein zu können und von einem Großteil der Gesellschaft nie als ein emotional vollwertiges Lebewesen anerkannt zu werden.

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Bis heute ist Hara diesem Stil und Fokus treu geblieben. Alle seine Dokumentationen begründen sich auf der Motivation der Gesellschaft den Spiegel vorzuhalten und dort hinzuschauen wo der Rest wegsieht. Aber Hara wurde auch persönlich. Schon zwei Jahre später erschien „Extreme Private Eros“. Ein Film über seine bisexuelle Ex-Freundin. Dadurch birgt jeder Film wieder eine neue Facette und zeugt von einem breitgefächerten Interesse des Regisseurs an sozialen Themen. Höchstinteressante Einsichten in eine Gesellschaft, die auf den ersten Blick konformistisch wirkt.

#68 „Harikomi“ (1958)

In der Sommerhitze des Dörfchens Saga lauern zwei Polizisten einem flüchtigen Mörder auf. Aus Tokyo angereist, hoffen sie darauf, dass er dort bei einer alten Liebe Schutz sucht.

Bildergebnis für stakeout nomuraYoshitarō Nomura’s Debutfilm ist ein eleganter Kriminal-Thriller, und Grundstein für die Karriere eines großen Regisseurs. Als Sohn des Filmemachers Hôtei Nomura, und Assistent bei Akira Kurosawa’s „Der Idiot“ war Nomura 1958 schon tief in der Filmindustrie verwurzelt.

Bildergebnis für stakeout nomura„Harikomi“ basiert auf einem Roman von Matsumoto Seichō, von dem Nomura insgesamt acht Werke (u.a. The Demon) verfilmte. Die Filme zeichnen sich besonders durch eine Stilistik aus, die dem japanischen Genrekino kineastischen Flair eingehaucht hat. Vorherrschendes Thema ist neben der Kriminalität die Kritik an sozialen Verhältnissen. Armut, die Rolle der Frau und das Auseinanderdriften familiärer Strukturen bilden den Rahmen in dem Nomura seine Figuren platziert.

Bildergebnis für stakeout nomuraDie weibliche Hauptrolle ist mit Hideko Takamine prominent besetzt. Bekannt geworden durch ihre Zusammenarbeit mit Regisseur Mikio Naruse, spielt sie in „Harikomi“ als Sadako eine eher unscheinbare Rolle, die ihrem damaligen Ruf als bestbezahlteste Schauspielerin Japans nicht ganz gerecht wird. Im Film beobachten die beiden Polizisten, Takao und Yuji, von einem gegenüberliegenden Hotel, das Gebäude der Hausfrau. Denn Sadako ist die Jugendliebe des gesuchten Kyûichi und die Polizei glaubt, dass er in seiner Verzweiflung vor ihrer Tür auftauchen wird. Daher nehmen der ältere Takao, gespielt von Minoru Ôki, und der Frischling Yuji, gespielt von Seiji Miyaguchi, die lange Reise von Tokyo in den Südwestlichen Teil Japans, Kyushu, auf sich.

Bildergebnis für stakeout nomuraVon Anfang an setzt Nomura das Lebensgefühl dieser Gegend in das Konzept des Filmes um. Die Hitze bestimmt das Handeln der Personen und das Warten auf das Erscheinen des Mörders wird zu einer Geduldprobe, für Polizei und Zuschauer. Trotz einer Länge von zwei Stunden verliert der Film wenig an Spannung. Da die Verfolgung des Täters nur einen Bruchteil der Handlung ausmacht, springt Nomura in Rückblenden in die Vergangenheit der beiden Polizisten. In diesen Momenten erfahren wir von ihren Beziehungen und davon wie unglücklich die beiden eigentlich sind. Der Regisseur konstruiert hier einen Diskurs über die Ehe, die er im Stile eines Melodramas erzählt und in dessen Verlauf die emotionale Seite der Charaktere an Bedeutung gewinnt.

Bildergebnis für stakeout nomuraDas Setting des Films erinnert an Hitchcock’s „Fenster zum Hof“. Aber Nomura lässt stilistisch keine Verweise zum klassischen Hollywoodkino erkennen. Vielmehr entwickelt er mit Hilfe von Kameramann Seiji Inoue eine spektakuläre Optik. Lange Kamerafahrten, über Kopf oder aus der Luft und das Drehen in 16mm Format tragen zu einem modernen und schnellen Filmerlebnis bei. Auch typisch für die Filme Nomura’s: Zugfahrten. Ein Motiv, welches sich durch fast alle seine Produktionen zieht. So beginnt der Film mit der langen Zugreise von Tokyo nach Saga und endet mit der Abfahrt der beiden Polizisten zurück in die Heimat.

Bildergebnis für stakeout nomuraWie auch in seinen späteren Filmen, „The Castle of Sand“ oder „The Incident“, nutzt Nomura die Polizeiuntersuchung um auf größere, allgemeinere Themen hinzuweisen. Im Vergleich mit ähnlichen Produktionen wie beispielsweise Akira Kurosawa’s „Stray Dogs“ bleibt „Harikomi“ auf einer persönlicheren, realistischeren Ebene. Das Script, entworfen von Shinobu Hashimoto, kämpft gegen die Monotonie der Beschattung und gegen die Hitze des Sommers an. Letztendlich nicht der spannendste Film dieses Regisseurs, aber ein wichtiger Ausgangspunkt für seine Karriere.

#67 „Red Room“ (1999)

Vier Personen. Ein Ehepaar mit finanziellen Problemen, ein Schuldmädchen und eine Büroangestellte, spielen das „Forbidden Kings“-Spiel. Dabei ziehen sie Karten. Derjenige, der den König zieht, darf bestimmen, was die anderen tun müssen. Wer aufgibt oder stirbt, verliert. Die Person, die zu letzt übrig bleibt gewinnt 10 Millionen Yen.

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„Red Room“ ist ein Direct-to-Video Film von Daisuke Yamanouchi, der inzwischen einen gewissen Kult Status erreicht hat. Da der Film außerhalb Japans nur schwer zu bekommen war, rankten sich seit seiner Veröffentlichung viele Gerüchte um seinen provokanten Inhalt.  Seit 2007 existiert nun eine untertitelte Version auf Englisch. Die knapp 60 minütige Version beinhaltet sehr brutale und verstörende Szenen. 1999, ganze acht Jahre vor der Saw-Filmreihe, finden wir uns in einem, in Rotlicht getauchten Raum wieder, in dem sich die Kandidaten vor einem Bildschirm versammeln, der ihnen die Spielregeln erklärt. Yamanouchi bezieht sich in seinem Konzept auf die immer extremer werdenden Reality- und Spielshows, die zu dieser Zeit beliebt sind (z.B. Susunu! Denpa Shonen oder Downtown no Gaki no Tsukai ya Arahende). Im Mittelpunkt steht der Voyeurismus des Spielmachers, der über Kameras und Mikrophone das Geschehen verfolgt und vorallem der Sadismus der Teilnehmer selbst. In Anbetracht der Gewinnsumme sind die nämlich bereit alles zu tun. Im Verlauf des Films steigert sich die Härte der Aufgaben und  schließlich gibt es auch die ersten Todesopfer.

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Die Produktion ist alles andere als ein Blockbuster. Schlechte Bildqualität, ungewollt komische Sounds und billige Spezialeffekte. Stellenweise wirkt „Red Room“ wie ein Softporno und die schauspielerische Leistung ist sehr amateurhaft. Warum also sticht dieser Film so hervor?

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Zu allererst ist es einer der wenigen Filme seiner Ära, die einen internationalen Vertrieb bekommen haben und dadurch einem breiten Publikum zugänglich wurde. Vom Grad der Gewalt her ist „Red Room“ sogar nicht einmal das höchste der Gefühle. Andere Produktionen von Yamanouchi wie zum Beispiel Muzan-e oder Girl Hell 1999 sind deutlich brutaler und schonungsloser. Die Stärke des Films liegt in seinem innovativen Setting und einiger interessanter Plottwists. Selten wurde das Töten als Spiel mit einem solchen medialen Bezug präsentiert. „Red Room“ kommentiert dadurch eine Entwicklung der Gesellschaft, die zunehmend abstumpft. Hier findet sich jedenfalls der Funken einer Metaebene, die man zwischen all dem Sex und der Gewalt hineininterpretieren könnte. Auch die Motive der Kandidaten lassen überraschende Wendungen erkennen, die von Transsexualität bis Wirtschaftskrise reichen.

Der relative Erfolg des Films führte 2000 zu einem Sequel. Interessant ist „Red Room“ im filmhistorischen Rückblick allenfalls deshalb, weil es als indirekte Vorlage für amerikanische Torture Porn Serien a la Hostel und Saw gesehen werden kann. Außerdem steht der Film für die Spitze eines Eisberges von japanischen Horror Videoproduktionen, die schon in den 80er-Jahren mit der Guinea-Pig Reihe seinen infamen Höhepunkt fand.